浩浩荡荡,日本传统民间艺术,手工制作的功利主义植根于一个升值的对象,和识别其天生的美丽。上的反应,日本在世纪之交的快速现代化,浩浩荡荡实践和哲学,每天灌输价值。
这个词浩浩荡荡意义的艺术的人,创造了一个受人尊敬的日本哲学家叫Sōetsu昭。作为一个年轻人生活在韩国在1920年代早期,他被永恒的美丽的彝族王朝(1392 - 1910)pottery-a简单,乡村类型在数个世纪以来无数的数量。用于从茶杯到泡菜坛子,到处都是陶瓷的,理所当然。
然而,昭看见李朝陶器用新的眼光,他认为这最美丽的人造objects-equal著名画卷的东方和西方的绘画和雕塑。他的著作、演讲和对话的眼睛开了韩国人早已和匿名的艺术遗产。1921年,昭开了一家民间博物馆在一个小房子在老宫在首尔,充满了韩国锅和其它工艺品。它是第一个博物馆浩浩荡荡在这个世界上。他收藏的对象包括木制品、漆器、陶器和纺织品——从冲绳和Hokkaidō(阿伊努语),以及来自日本的大陆。回到他的家乡,昭开始收集日本工艺,相信自己的人民,也需要发现和保护匿名对象的真与美,他们一直住在年龄和使用。1936年,陶工Kanjiro Kawai Shoji石漠,他打开第一个日本民间工艺博物馆(日本Mingei-kan)。它所代表的艺术的人返回到人。
在某些重要方面,因此,成为了日本民间工艺运动很大程度上要归功于昭早期的兴趣在韩国,他在那里建立了一个韩国民间工艺博物馆在一个旧的宫殿建筑在1924年在首尔。在第二年-与他的朋友相当大的讨论后,Shōji和Kanjirō-,他们创造了这个词来形容工匠的工作浩浩荡荡。这是一个混合,形成minshū,意思是“普通人”,kōgei或“工艺”。昭自己翻译成英文是“民间工艺”(不是“民间艺术”),因为他想阻止人们的构思浩浩荡荡作为一个individually-inspired“高”的艺术。
意识到,公众需要的教育在他对美丽的理解日本工艺品,昭着手传播他的观点在一系列的文章中,书籍和讲座,和他第一次完成的工作Kōgei没有学生于1928年出版。1931年,他创办了一本杂志Kōgei他和一个亲密的朋友圈,他们认为喜欢他,能够各抒己见。虽然昭已经正式宣布成立民间工艺运动在1926年,真的才开始出版这本杂志,和昭的追随者的数量大幅增加的阅读其内容。在1952年,Kōgei吸收了第二个杂志吗浩浩荡荡。1936年,随着金融援助从几个富裕的日本商人,昭能够建立日本民间工艺博物馆和三年后,在1939年,推出了第二个杂志,浩浩荡荡。这是日本民间工艺协会的官方机构成立于1931年。
因此,有三个民间工艺运动的表现:(1)民间工艺博物馆展览的对象视为真正的“浩浩荡荡”和昭计划应该建立一个“美”的标准;(2)民间工艺协会促进昭的理想在日本和发布两个月杂志;和(3)民间工艺品商店,Takumi,充当主要的民间工艺在东京零售销售渠道。
日本的许多传统方法被毁后,国家在第二次世界大战的失败。1950年朝鲜战争的爆发导致日本政府建立一个系统,设计用于保护它认为是日本的国宝和个人artist-craftsmen——俗称“国宝”——他被认为是重要的文化持有者的技能。昭的传播的思想帮助了这些进展,约1960年的概念浩浩荡荡已成为已知的不只是一小群人生活在东京,京都和大阪,但由于宣传媒体,几乎所有人都在日本。
这导致了巨大的消费者对手工制作的民间工艺品的需求,很多人认为包括诸如牙签和木屋,以及更多的主流工艺。这种需求被贴上“浩浩荡荡繁荣”,并一直持续到70年代中期,因为当它逐渐下降,直到成为当代日本在2000年代几乎无关。然而,工匠曾苦苦挣扎养家糊口的太平洋战争之前和之后,突然发现自己小康;陶工特别是经济受益于“繁荣”。周围的所有宣传民间工艺品,新窑到处都是成立的。到目前为止的纯粹主义者而言,然而,“即时波特”的日子来陪另一个“瞬间”的日常生活在日本,咖啡,面条和艺妓。普通的工匠,他们说,很感兴趣浩浩荡荡的钱是由它,而不是它的美丽。它是一个城市精英的时尚。
的浩浩荡荡繁荣导致的矛盾影响昭的原始理论的民间工艺品。昭曾认为,美将“生”(而不是“创建”)只在“公共”的社会,人们彼此合作。这种合作不仅一个人到另一个,但是人的本性。民间工艺是在这方面“公共艺术”。然而,消费者的需求浩浩荡荡对象导致增加生产过程的机械化,本身,更少依赖的合作和劳动力交流比他们在过去。机械化也导致更少的依赖,和使用天然材料——昭坚持是必要的东西他的美丽的理念——这也剥夺了现代的东西浩浩荡荡专门的“本地”品质。媒体曝光和消费者需求鼓励artist-craftsman热衷于赚钱的出现和逐渐消失的越少受“未知的工匠”。因此,浩浩荡荡为“民间工艺”逐渐被视为浩浩荡荡为“民间艺术”。
浩浩荡荡的哲学
哲学的支柱浩浩荡荡“普通人的工艺品”。昭理论和美学命题是美被发现在普通和实用的日常用品由无名,无名工匠——而不是更高的艺术形式创造的艺术家。在他的第一本书的概念浩浩荡荡最早出版于1928年,他认为功利主义对象由常见的人“超越美与丑”,和列举了一系列标准,他被认为是“真正”的基础浩浩荡荡民间工艺品。
昭的主要重点是美丽。他认为,民间工艺之美在于:(1)使用天然材料和“自然”手工生产;(2)传统方法和设计;(3)简单性和(4)在形式和功能设计;(5)多元化,这意味着民间工艺品可以复制和转载量,导致(6)inexpensiveness。美也被发现在民间工艺品(7)应由匿名——或“未知”——工匠,而不是命名的著名艺术家。最后,(8)有“健康美”,即一个健康的态度在民间工艺品的生产导致健康的工艺品。换句话说,美丽和民间工艺品是日本传统——一个传统的产品,他强调说浩浩荡荡他们应该代表地区生产和利用天然材料发现。
昭的主要重点是美,在他看来,是不变的,由一个不变的精神。唱时期陶瓷、或中世纪哥特式建筑产品相同的精神;“真正”的人是不变的,不受文化或历史背景。现在和过去有关的美。为了欣赏这样的美,认为昭,应该不允许先前知识,偏见,或主观性云一个人的判断。这可以通过手段的不同翻译成“直觉”,“导盲犬”,和“直接感知”(chokkan),即工艺对象应该看到,没有任何先验知识或知识分析之间的对象和旁观者。它从而直接沟通的内在美同样的对象。如果chokkan脚绝对是“规则”,也不顾逻辑解释,因此,非常的“精神”的方法来审美和欣赏民间工艺之美。但chokkan也是一个审美的方法,可以应用和认可,任何人提供他或她认为“直接”的事情。换句话说,如果chokkan是“主观”或“任意”,比不“直接”观念。
的另一半昭的美是关心理论的精神态度工匠(相对于人的欣赏工艺对象)。工艺品是美丽的,他说,工匠应该离开自然的创造;救赎来自自己以外,从昭所谓“自我投降”。Tariki不是自我否定自我的自由。就像一个Amidha佛教相信他可以通过背诵得救nenbutsu祈祷和否认他或她的自我,所以工匠可以达到“美丽的净土”,放弃对他的自我本质。内心没有工匠创造美的能力;来自“自我投降”的魅力无比比任何艺术作品由“个人天才”。
浩浩荡荡的进化到米德尔斯堡
这个词米德尔斯堡意味着穿或衣衫褴褛,描述一个建筑或衣服,也可以指自己破烂的衣服。米德尔斯堡风格实际上是一个完美的例子简单和实用设计庆祝浩浩荡荡的运动有独特的审美情趣。而不是专注于上层阶级所穿的精美的丝绸,米堡显示了美棉和麻的农民所穿的衣服,特别是在日本的北部地区。整个江户时期,人们发现创新的方法来回收和重用日常用品,主要是出于必要。这是另一个方面,浩浩荡荡,完全符合原则的运动!直到在1600年代在日本,几乎所有农民穿的衣服应该是由普通的麻,这可能是当地种植和旋转。棉织品第一次被介绍给日本从中国在15世纪开始,在16世纪日本农民开始采用中国国内种植方法来生产它。生产最初开始在日本南部九州地区,但对棉花的需求迅速增长,棉花产业迅速扩大在日本的温暖地区。
然而,地理局限性意味着小棉花将达到日本最北的地区,随着棉花植物不能生长。江户时代(1606 - 1868)期间,交易员将沿着海岸航行的日本出售使用棉布,主要是一个独特的靛蓝色彩与现代米堡方式密切相关,因为它是更容易棉花靛蓝染料比其他任何颜色。女性在农业社区将购买这些棉花废料,并使用它们noragi (农夫的衣服),futongawa (蒲团覆盖),枕头,围裙,和其他有用的日常用品。
女裁缝在日本北部发明了一种缝纫技术,sashiko,一个简单的针缝在重复或联锁模式运行,往往通过几层布料。这允许他们缝麻布料和棉花碎片在一起的方式提供更有效、更持久的保护从冷。此外,它也给人们提供了一个机会让有趣和独特的结构模式,添加一个元素的创造力可以区分一个家庭的布从另一个人的。同样的衣服可能会被用于三或四代!而不是扔掉旧布项目,他们将修补,以至于一个可能无法识别原始织物。补丁,农民可以延长他们的生命布项目,添加额外的层织物增加温暖,并避免浪费这宝贵的稀缺资源。
米德尔斯堡在日本文化中并不总是赞赏。二战结束后,这些破烂的衣服被认为与耻辱的象征日本的短缺和贫困。然而,在最近一段时间,人们不再把米德尔斯堡和贫困,而是意识到这是一个独特的文化遗产的象征,应该庆祝。如今许多民间艺术收藏家认为这些都是独一无二的珍宝,甚至一些现代时装设计师试图复制米堡风格在他们自己的服装线!
例子浩浩荡荡的工艺
1.灯笼1800年代c。
各种固定和移动室内和户外使用日本灯笼一直在日本日常生活的一个重要组成部分。通常燃料蜡或石油。当纸应用于木材或金属框架封闭油碟光室,是一个结果安灯。这些陷害纸灯笼指出他们的优雅和简单的角设计。使用纸做的滑动门(shoji),这在日本内部扩散光源,可能影响了日式照明的发展。在白天,这些门提供了抵御严酷的阳光,但仍允许足够的光线进入室内。同样的原理与应用安灯。他们保护明亮的火焰和优雅的漫射光。
便携式纸灯笼叫做chochin开始使用在室町时代(1338 - 1573)中,随后许多风格。许多这样的有一个折叠-就像外表这样他们可以轻松地折叠不使用的时候。
这种类型的小型便携式灯可以用两种方式。当纸和木头架放置在箱形盖,光线通过矩形开在前面,新月断路。当盖被删除并放置在纸做的框架为基础,作为一个小灯的功能安灯。这些夜灯(ariake-andon)是为了保持点燃了整个晚上。
2。木炭球童
使用的传统木炭取暖,烧烤,茶道是深深扎根于日本的传统和文化。因此,日本创造了美丽的球童sumitori)来存储木炭来补充小炭炉的小火或火盆。这个例子是由一个葫芦干,尽管这些容器的篮筐。它是由切割一个卵圆形开口在顶部的大葫芦,然后添加一个竹柄。酒店的葫芦是一个表示,日本的七神的好运。
有两种不同类型的很纯,高碳日本炭:黑炭(kuro-zumi)和白炭(shiro-zumi),几乎不产生烟雾或火焰。这两种类型是通过不同的过程。黑炭是由木、橡木通常,燃烧在极高的温度下几天,然后迅速冷却。它燃烧足够热金属冶炼和生产工具。白炭,而不是解雇伍德在一个较高的温度,这是低温发射了一段时间。接下来,温度提高;木炭是迅速退出,覆盖着灰的白色粉末,地球,和沙子来帮助它很酷。厨师经常喜欢这long-burning木炭烧烤食物,如鳗鱼(鳗鱼)或鸡肉串(烤鸡肉串)。
3所示。消防员的罩
在江户时代(1615 - 1868)火灾,通常被称为“江户之花”,因为他们的频率,在日本城市构成了威胁。密集成排的日本传统建造房屋的木头,竹子,和纸用稻草屋顶,非常容易受到火。在江户时期的开始没有组织灭火系统。这开始发生变化,特别是1657年以后,当一场可怕的大火被称为Meireki的大火,导致更多的组织旅。
消防员穿厚棉外套,它的内脏都被涂上了精心设计包括民间英雄或虚构的生物,如龙激发勇气和勇敢的消防队员。除了他们的外套,消防员穿着棉兜帽和保护者。然后浸在水中这些集合体,使服装更重,但是火焰中提供更好的保护。
一个标记(matoi)暗示周围的火旅迅速与水出来。在江户时期,相邻的属性通常被拆除以防止火灾的蔓延。工具包括火钩子或轴拉下燃烧或危险地区的建筑离火,或拖动对象基本的水泵,在1700年代末第一次开始使用,和竹梯子。
4所示。Horse-eye主题板块
Uma-no-me意思是“马眼”的“靶心”内圈设计,除了马的眼睛细长的主题。根据板的大小,五或六匹马的眼睛周围形成一个连续的边界的简朴的中央部分uma-no-me。濑户窑提供大量这些板块在十八和十九世纪初。
几个世纪以来,许多日本民间陶器是必要性在城镇和城市。与陶瓷的贵族和富裕的商人阶级,民间日用陶器的目的是,在工业大规模生产的瓷器和陶瓷的时候还不存在。民间陶器工匠做了一些;别人只是农民做兼职陶工。许多这样的作品有一个简单的、有机的美丽。有时,这些粗糙的厨房产品和精致的瓷器。其他陶瓷生产中心目的是仅仅作为民间窑。
餐具是由陶器和瓷器。传统的形状为功利主义目的包括大型水罐子,味噌或容器,揉捏碗,和盆地。陶瓷盘子,盘子,和茶壶也是常见的形式。工匠常常重音倒或运行釉产品。釉料,如黑色、褐色、黄色、绿色,白色通常都是柔和的颜色。由木材或稻草灰釉是最古老,但波特也可能使用锡,铁,铅釉料。
5。陶瓷罐
浩浩荡荡Shimaoka Tatsuzō是日本最著名的陶工的二十世纪。浩浩荡荡的波特,他适合日常使用,如盘子,茶杯,和碗。Shimaoka于1919年出生在东京的家庭装饰编织制造商。而不是进入家族企业,他在东京理工学院学习工业陶瓷。Shimaoka后感到灵感去新开的日本民间工艺博物馆,在那里他第一次遇到浩浩荡荡哲学和对象。在采访中,Shimaoka相比其影响他的未来,“雨土。”
Shimaoka于1941年毕业于东京理工学院,曾在第二次世界大战在缅甸,并返回到日本,在1946年搬到Mashiko,一个小镇的传统制陶位于东京以北一小时。他成为学徒的岩漠Shōji,浩浩荡荡的开国的支持者之一。灵感来自日本Jōmon史前陶器的装饰绳,Shimaoka的作品是他的标志使用rope-impressed模式按绳到粘土虽然仍是湿(3)。
自1950年开始,日本政府指定某些个人或群体体现无形的国家文化价值观是人类的宝藏。Shimaoka在1996年被指定为国宝住了他独特的贡献日本陶器。
6。Maneki三氯二苯脲
日本独特的形式和来源,自19世纪中期以来,maneki三氯二苯脲或雕像招手,猫爪抬起日本的姿态吸引人们,充当企业和家庭的好运气。这些异想天开的,幸运的对象被认为有能力履行祝福好运,繁荣和幸福。Maneki三氯二苯脲是常见的景色在当地日本和中国餐馆的窗户,他们默默地吸引潜在客户进入的地方。猫举起它的左爪为了带来好运,好运业务;它抬起右爪要邀请好运,健康,幸福。颜色也有一定的内涵。白色代表幸福和满足,而黑色象征着安全,有助于赶走邪恶。许多maneki neko的特色之一是龙头连接到脖子。肚兜经常涂上经典的好运和财富的象征,如硬币。
年底明治时期(1868 - 1912),maneki neko石膏和陶瓷的生产在全国众多的网站。Maneki三氯二苯脲也开始出现一定程度上铜、青铜、木材、石头和铁。到1900年代初,一些更重要的生产地点,maneki neko包括著名的濑户和Kutani瓷窑炉和Bizen陶瓷窑。
7所示。矩形盒和盖子
几个世纪以来,人们都尊敬的生漆,光滑的涂层用于防水和装饰木材。自古以来,采用日本室町时代(1338 - 1573),漆器制品成为共同使用,可以被广泛的在公开市场出售。这样的商品通常是平原,黑色,或红色,偶尔适度装饰着彩色漆或涂料的设计。Negoro是指一种红色漆应用在黑色的漆器。随着时间的推移,红色的表面磨损暴露的黑色层下面,显示一个微妙的混合红色和黑色。
最好的工作是留给特殊pieces-wine和食品容器为婚礼,新年庆祝活动和其他重要的事件。因为红色是伴随着喜悦和庆祝活动在日本,它是一个受欢迎的颜色对这些特殊场合的货物。
生漆是从sap漆树的树种,在日本许多地方。粘性,有毒的物质,会引起皮疹,只有短暂的接触。漆需要一个非常潮湿的环境为了弄干特别湿室湿度极高。然而,一旦碎片干燥、漆很硬,变得不受正常的液体,包括酒精和溶剂。漆可用于精制自然状态的一个明确的完成或者添加了色素不透明,彩色的完成。
8。为了牌号
在拥挤的城市和村庄的街道,店主不得不争夺顾客的注意力。木制商店的招牌(看板)和令人赏心悦目的设计发挥了重要作用抓人路过,吸引顾客的注意。许多迹象表明了待售物品的形状。这个木为了店铺招牌从明治时期(1868 - 1912)自豪地宣布石川为了商店和进一步写道:“漂亮的混合纯粹的缘故。“作为进一步诱惑,它使用一个文化流行的女性面部微笑:Otafuku或Okame欢乐女神,吸引潜在顾客。
9。达摩图
这个木图是一个模具制造空心,纸型达摩翻滚的玩具。纸型达摩,日本产生了几个世纪以来,几乎是maneki neko一样无处不在。群马县Takasaki城市东京西北的主要产地在日本达摩娃娃。基于菩提达摩达摩是一个胖的娃娃,一个和尚,他给中国带来了禅宗佛教从印度和中亚。达摩tumble-toys与粘土制成的中空的纸型加权底部所以他们总是返回一个直立的位置后推了。
故事,娃娃看起来醉醺醺的,由于传说达摩的腿浪费掉许多密集的年坐在冥想期间,这导致他的启蒙。其他人说他只是坐在一个坐禅冥想的位置让他的双腿交叉,山沟里他的手臂亮红色长袍。图的宽盯着眼睛指的故事达摩切断他的眼睑,防止自己入睡在他长时间的冥想。
新的,纸型达摩空白,白色的眼睛。这允许买方特别希望或设定一个目标。当愿望或目标,一只眼睛是画;当愿望或目标是满足,第二眼。一旦眼睛都是画,这些纸型雕像通常在寺庙烧在今年年底和一个新的达摩。
10。鲤鱼灯
作为一个岛国,鱼一直是日本文化的一个重要组成部分。随着时间的推移,许多鱼类,特别是鲤鱼(锦鲤)已经开发出重要的象征意义在东亚,包括日本。鲤鱼象征着力量和弹性。像大马哈鱼,鲤鱼游上游挣扎在急流产卵。传说鲤鱼不知疲倦地致力于学校游泳瀑布,其中一个成功了,龙被转变为一种奖励。因此,鲤鱼象征着世俗的进步和毅力。父母希望他们的儿子能有勇气和鲤鱼的驱动来实现所有的愿望。
鱼是很受欢迎的主题,对于许多异想天开的民间玩具。像很多日本民间玩具最初在神社或寺庙节日,许多担任好运魅力而不是玩的东西。这些玩具是为了邀请好运和抵御邪恶。这样的玩具灯可能是为了灌输鲤鱼的毅力。灯笼这种类型的日期从1800年代末,当他们第一次用作装饰品在夏天的节日。
Onta器皿
这个窑以来一直在使用中间的江户时代(1603 - 1868)。从那时起,它产生了大量的日常菜肴为广大民众。昭参观了小山村Onta陶瓷和深深地迷住了工匠的技术,已经进行了300年。在踏进Onta你还会注意到一个明显的奇怪的声音和气味。固体的声音,空气中弥漫着稳健的步伐而燃烧的暗香阵阵沿着街道…Onta地区大分县在1705年成为一个陶器小镇。它有一个59岁的人口。十个不同的窑站在双方长达150米的路,他们创建陶瓷使用自己的车间内秘密流传下来。迫击炮(karausu)。粘土与这种老式的软化,水电设备。Onta的另一个象征是常用窑。工匠的技术保护,在他们共同生活在这个村子里流传下来。
村是一个凝聚力著称的社区,家庭的陶工回去代。地球的净化等工作都是由女性,而男性则负责实际创建产品。作品是由一个人从未签署但只有Onta村的符号。这是表示一个船的生产是结合社区的工作,而不仅仅是一个人。Ontayaki是没有任何机械或电机的援助。就像在过去,这些手工艺品是单独从人类和自然的力量。今天的陶器继承了这个不变的品质,就像陶器在未来也会如此。